9:00-12:00
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Dirección: Louis Lumière
Película proyectada en la primera función del cinematógrafo. Consiste en un plano general fijo que documenta la salida de los trabajadores de la fábrica Lumière.
La obra más conocida del mago y cineasta Méliès concentra todas sus aportaciones: imaginación inventiva, efectos especiales e ilusión desbordante.
Su influencia: El cine no servía sólo para registrar la realidad, sino también para dejarla irreconocible y equipararla a nuestros sueños.
12:15-15:00
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Dirección: D. W. Griffith
Película pionera del cine moderno en cuanto a su construcción narrativa. En ella se hace uso por primera vez, de una criteriosa diversidad de tamaños de plano y angulaciones, que facilitaron un montaje que muestra la acción dramática de una manera propia, superando el punto de vista único y la puesta en escena teatral. Éstas técnicas propiciaron la constitución del largometraje como estándar narrativo.
Si bien supo ser criticada por su sesgo racista, fue tomada como modelo para la construcción de un mensaje a través del arte cinematográfico.
9:00-12:00
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PELICULAS
El nacimiento de una nación (1915)
Viaje a la Luna (1902)
Salida de los obreros de la fábrica (1895)
El gabinete del Doctor Caligari (1919)
Dirección: Robert Wiene
Se trata de un filme de terror que utilizó los elementos compositivos de la puesta en escena, para distorsionar la realidad de modo tal que produzca un impacto expresivo en el espectador. Perteneciente al período silente, fue fundamental en la constitución de la corriente cinematográfica conocida como "Expresionismo Alemán", junto a
los directores Fritz Lang y F. W. Murnau, quienes se dedicaron a manipular los ángulos de cámara, a encargar decorados con perspectivas deformadas y a experimentar con los contraluces.
El chico (1921)
Ya instalado en su puesto de autor total (guionista, director y actor), Chaplin comienza a despedirse del formato breve, convirtiendo a ‘Charlot’ el vagabundo en un personaje de pleno derecho. Se destaca el uso de acciones físicas
y un amplio uso de los aspectos visuales de la puesta en escena para establecer las bases del lenguaje cinematográfico desde el período conocido como el de "Cine mudo"
El acorazado Potemkin (1925)
Dirección: Sergei M. Eisenstein
La película: El camarada Eisenstein (y sus colegas bolcheviques como Vertov, Kulechov yPudovkin) descubrieron en plena revolución una palabra mágica: “montaje”.
Su influencia: Gracias a El acorazado Potemkin, cineastas de todo el mundo descubrieron que la combinación de imágenes no era sólo una forma de contar una historia, sino también de transmitir ideas y sensaciones. En el día de hoy, nadie puede sustraerse a sus hallazgos.
El cantor de jazz (1927)
Dirección: Alan Crosland
La película: Pues sí, eso de pintarse la cara y cantar imitando (burlescamente) a los negros resulta hoy políticamente incorrectísimo. Pero, en 1927, que el protagonista de un filme fuera judío e hijo de un rabino también lo era. Y si, al héroe se le oía cantar de verdad, ni te contamos la que se podía armar, pero por otras razones.
Su influencia: El primer largometraje sonoro de la historia puso Hollywood patas arriba, sacó de sus casillas a Chaplin y, en suma, cambió para siempre el séptimo arte. Unos años después de su estreno, nadie se imaginaba que un filme mudo (The Artist) volvería a triunfar entre el público.
Metrópolis (1928)
Dirección: Fritz Lang
La película: Con los años, su director renegaría de ella, pero Metrópolis sigue creando escuela por sus ambiciones, su gigantismo y las curvas de la robota Maria.
Su influencia: De George Lucas a Neill Blomkamp, pasando por Ridley Scott, todos los cineastas deseosos de crear un mundo futurista, prodigioso y coherente a la vez han tenido en este filme un espejo en el que mirarse.
Un perro andaluz (1928)
Dirección: Luis Buñuel, Salvador Dalí
La película: Al aragonés y a su (por entonces) compadre de Figueres no les gustaba que el cine fuese algo tan normal, tan burgués y tan de andar por casa. Por ello, pergeñaron este desmadre surrealista que entraba a navajazos en los ojos de los espectadores.
Su influencia: Desde Kenneth Anger a David Lynch, todos los directores dados a lo vanguardista y lo onírico se han nutrido de esta película y de su salvajismo siniestro.
Lo que el viento se llevó (1939)
Dirección: Victor Fleming (el único acreditado), Sam Wood, George Cukor
La película: Ni los cineastas europeos (hola, Visconti) ni, por supuesto, los estadounidenses pudieron resistirse al atractivo de este monumental fresco sobre la Guerra de Secesión.
Su influencia: Una vez ajustadas las cifras a la inflación, Lo que el viento se llevó sigue siendo el filme más taquillero de la historia del cine, sin que ningún blockbuster moderno pueda hacerle sombra: Escarlata O’Hara (Vivien Leigh) se tomó muy en serio eso de no volver a pasar hambre.
Ciudadano Kane (1941)
Dirección: Orson Welles
La película: Tras liarla parda en el teatro y en la radio, Welles llegó al cine como un huracán, poniendo a prueba todos los recursos del medio.
Su influencia: Además de una lista de innovaciones técnicas demasiado numerosas para contarlas, Ciudadano Kane sigue siendo un ejemplo de cómo un cineasta puede tocarle el hígado al poder y a sus lacayos. Aunque eso acabe costándole su carrera, claro.